Taller de cine debate llamado Elipsis

Taller de cine debate

Buenos Aires, Argentina, 7 de septiembre del 2021

En las páginas del taller de Facebook e Instagram (@elipsis.cinedebate) se encuentran  las películas que fuimos analizando donde se puede ver el tipo de cine que debatimos.

Algo importante a tener en cuenta es que no hace falta contar con ningún conocimiento previo.

Se puede abonar de forma mensual o por encuentro individual, y la frecuencia de los encuentros es quincenal.

Las opciones de grupos son: martes, miércoles o jueves a las 20 hrs (ARG) vía ZOOM.

Si te llega a interesar la propuesta del taller no dudes en escribirnos, sin compromiso, para más información:

Mail: elipsis.cinedebate@gmail.com

WhatsApp: +5491131801425

MANIFIESTO HIPERVISUALISTA

Ciudad de México, 6 de julio del 2021

MANIFIESTO HIPERVISUALISTA ya tiene fecha de estreno. Será el próximo 11 de julio a las 8 pm.

Este evento se llevará a cabo en la Sala Gámez, Cine Latino. Es un gran honor para nosotros ser parte de la inauguración de este recinto.

Les dejamos un tráiler realizado especialmente para este estreno.

Ver tráiler:

La Muestra de Cine Documental llega a Tehuacán

Tehuacán, Puebla 25 de junio del 2021

Muestra de Cine Documental.

¡Te esperamos!

II MuCiD 2021

Esta Muestra de Cine tiene 3 ejes:

I-Mujeres en defensa
Que refleja la valentía y fuerza de las mujeres dé México y Tehuacán por el cuidado de su Tierra, Lengua e Identidad.

II-Talento Emergente
Que es un escaparate para los nuevos talentos universitarios que buscan hacer camino en el área audiovisual.

III- Teo Hernández
Un Homenaje a un cineasta mexicano que hizo carrera en Francia en los años 60’s y su obra está resguardada Centro de Arte Moderno Georges Pompidou en Paris, Francia.

Contaremos con todas las medidas sanitarias pertinentes.

#Cine
#Documental
#GobiernoTehuacán

Película Luca; viviendo entre dos mundos

Película Luca

SM Rico

Imagen de Disney+ https://purodiseno.lat/

Se acaba de estrenar este 18 de junio de 2021 en la plataforma de Disney +, Luca, la nueva película de animación de Pixar Animation Studios, una cinta dirigida por Enrico Casarosa quien fuera nominado en el 2012 al Oscar, en la categoría de Mejor corto animado por La Luna.

La historia nos narra las aventuras de dos niños con un gran y mágico secreto en busca de libertad y emancipación. Luca, el protagonista, un pequeño pastor de peces, iniciará el viaje en contra de la voluntad de sus padres; y en compañía de Alberto, su nuevo mejor amigo, buscarán en un pueblo de pescadores cercano lo necesario para su viaje de huida. Sin embargo, su secreto se verá amenazado puesto que en ese lugar precisamente son considerados monstruos marinos que deben ser cazados. Aun así, lucharán por alcanzar su sueño y tendrán que lidiar a cada momento por ocultar su origen, infiltrarse en casa de la marginada y sudorosa Julia para poder ganar un concurso y conseguir suficiente dinero para iniciar su viaje por el mundo a bordo de una idealizada y potente Vespa.

Está ubicada al parecer en la década de los 50 del siglo pasado en un imaginario y pintoresco pueblo a la orilla del mar llamado Porto Rosso, asimismo está lleno de referencias al cine, a las historias y a personas reales ilustres, que como en otras cintas de Pixar, llega a ser entretenido consultar.

Utiliza la fórmula clásica del sueño inalcanzable y prohibido, aquello que los padres (conservadores y temerosos del cambio), niegan por ser “peligroso, fuera de la tradición, raro, antinatural o diferente” y que por supuesto el protagonista se encargará de “descubrir” por una curiosidad natural, que se sostiene sobre el también clásico personaje de apoyo, ese que cumple la función de hermano mayor o de guía, que muestra el brillo del mundo a través de su rebeldía y que a su vez se nutre de la candidez y obediencia del personaje inocente en busca de conocer el mundo y ser más fuerte.

Al ser una película de corte propio del posmodernismo actual, se referirá inevitablemente al hecho de que el primer obstáculo a superar es uno mismo, gira en torno al individualismo y la forma en que los demás tienen la culpa de lo que ocurre al limitar los sueños y las expectativas del protagonista, en este caso por su origen.

Aparece también el ya clásico antagonista cliché representando a los prejuicios de la sociedad, es otro niño que tiene esos llamados “privilegios” por su origen acomodado. Así que busca razones para sacar de ahí a los protagonistas, al considerarlos raros y fuera de lugar, en “su pueblo”.

Esta cinta toma la imaginación y la curiosidad infantil como motor de cambio y transición. Engrandece la figura de la amistad pues la retrata de manera inocente, de dos opuestos que se atraen, y buscan a través de un sueño empezar un viaje de diversión, aprendizaje y libertad.

Veremos sueños y celos de amigos infantiles, inocentes, sanos y nostálgicos; como también lo suficientemente ambiguos como para dar ideas a otro tipo de público objetivo de Disney, pues del mismo modo que se puede ver la sincera amistad entre tres niños, también “si se le busca” se pueden encontrar otras cosas; motivadas por los colores, los abrazos y la afinidad con los adultos; al ser marginados a la vista de una sociedad en un pueblo conservador de pescadores.

Esta es una cinta que maneja sutilmente sus mensajes y que también nos habla de nuevo de la gente que no es común, de aquellos que, ya sea por su origen, color, discapacidad o situación económica son extraños a los ojos de los demás, y que, sin embargo, viven en paz dentro de la sociedad y tienen la capacidad y el derecho de aportar grandes cosas.

En este caso nos muestran imágenes inevitablemente relacionadas con los migrantes, llegando del mar, sin nada en los bolsillos más que sueños, escondiéndose de la autoridad y diferentes en forma color y costumbres. Nuestros protagonistas son criaturas que se mimetizan para encajar porque tienen miedo.

La búsqueda de Luca y Alberto no se pierde en ningún momento, solo se transforma de un viaje en moto a un conjunto de motivaciones más profundas, con Luca, es ir a la escuela y aprender; en Alberto, será ocupar un lugar en el mundo, aportar, ser importante, amado y recuperar lo perdido en el pasado. En cuanto a Julia es más simple (y aplica otro cliché Disney), estudiar y ser algo más que sus vecinas, que la ven como la “rara” por portarse diferente, independiente y “empoderada”, pues desea que la vean como la ganadora que derrotó a un niño cruel y presuntuoso.

La parte intensa y triste que no puede faltar, toma la forma de una traición, por el miedo y el deseo de vivir en un mundo nuevo y mejor que a toda costa busca Luca; es así, que nos dan en una pequeña y sencilla secuencia, cuatro simples palabras del protagonista hacia su mejor amigo, que le rompen el corazón.

Se inspira también en series y películas relacionadas con jóvenes sirenas, en especial con H2O: Just Add Water (Sirenas del mar), de Jonathan M. Shiff Productions de 2006, o Aquamarine (Mi amiga la sirena) de Fox 2000 Pictures, del mismo año; en donde el mayor conflicto radica en que no deben de mojarse o se descubrirá su secreto. En este caso la importancia es mayor pues viven en un pueblo que precisamente odia a los monstruos marinos y fantasea con la idea de cazarlos y ponerlos como un trofeo en sus casas.

Destaca lo simbólico de la guarida de los niños, en una pequeña isla triangular con una torre abandonada en lo más alto y que sirve como bodega de sueños y proyectos, y donde las estrellas parecen una extensión del océano que les dio vida y origen.

Un final un poco incongruente pero bonito, con moraleja y lágrimas inevitables, es lo que tenemos por conclusión, pues da un pequeño giro que complementa la historia y la hace entrañable. Dos amigos para toda la vida que, divididos entre dos mundos, pueden tener la posibilidad de formar parte de ambos, y también enriquecer la vida de aquellos que los conozcan.

La cinta se ha estrenado de manera exclusiva en la plataforma de Disney + (esta vez no le cobrarán extra a sus suscriptores), pero es probable que en algún momento no especificado llegue a cines; a menos claro, que la compañía del ratón solo utilice el producto para atraer suscriptores y ganar premios Oscar.

La hermosa carta de amor a Italia de Enrico Casarosa, tiene una belleza visual inolvidable y retrata con gran detalle un mundo imaginario perdido en el pasado, lleno de tradiciones y fantasía a la orilla del mar. Un mundo donde la amistad es lo más importante a pesar de las diferencias o la distancia.

Ver Tráiler

Ficha técnica

Nombre original: Luca

Año: 2021

Duración: 95 min.

País: Estados Unidos Estados Unidos

Dirección:

Enrico Casarosa

Guion:

Jesse Andrews, Mike Jones

Música:

Dan Romer

Fotografía:

David Juan Bianchi, Kim White

Reparto:

Jacob Tremblay, Jack Dylan Grazer, Emma Berman, Marco Barricelli, Saverio Raimondo, Maya Rudolph, Jim Gaffigan

Productora:

Pixar Animation Studios, Walt Disney Pictures. Distribuidora: Disney+

Género:

Animación – Infantil – Comedia.

Película Cruella; el fracaso vestido a la moda

SM Rico

Imagen de portada moobys.es

Disney acaba de estrenar su nueva producción Live action misma que puede ser vista en cines y en su plataforma Disney + (con un costo extra de 329 pesos, aparte de la suscripción). En ella nos narran la historia de la que por décadas conociéramos como la villana menos atractiva o interesante del repertorio de los personajes de la compañía del ratón.

En esta ocasión en una cinta que no parece ponerse de acuerdo, si es una precuela o una reinvención de la misma, nos cuentan la historia de Estella interpretada por Emma Stone, una niña (Tipper Seifert-Cleveland), que sobrevive sola con su madre Catherine, en el Reino Unido de los años 70. Una niña creativa y una madre que busca darle lo que puede sin mucho éxito, termina por sacarla de la escuela pues en una inexplicable relación entre genio y desprecio por los demás, tiene que irse a Londres para empezar una nueva vida.

Sin embargo, en el camino ocurrirá el ya clásico cliché de Disney, donde la protagonista perderá de manera trágica a su madre, cuando solo trataba de pedir apoyo económico a la Baronesa von Hellman, interpretada por Emma Thompson, en un personaje que destaca más que la protagonista en más de una ocasión. Los eventos ocurren en una secuencia que nos hace pensar que Catherine buscaba chantajear a la baronesa y así es asesinada por sus perros guardianes, tres dálmatas.

Huérfana y sin nada en el mundo más que un pequeño perro callejero, que adoptara tiempo atrás, el camino de la protagonista estará lleno de exageradas y aburridas conveniencias de guion, pues de la nada se darán eventos que la llevarán a probarse a si misma y a comprobar que “es especial” aunque sea solo por repetir cosas sin un aprendizaje. Nuevamente podemos ver el cliché contemporáneo “de la elegida” o como en este caso se enfatizará más tarde, “la heredera”, alguien que simplemente llega al ser sin conocer, porque sí.

La cinta está dirigida por Craig Gillespie, el también actor y productor de origen australiano, que nos ha dado grandes cintas como Yo Tonya de 2018, pero que al igual que otros grandes en manos de Disney parecen más bien solo prestar su nombre y apadrinar un producto estandarizado que debe de contar con elementos específicos e ineludibles ya sean de género o tipo étnico, como de narrativa y enfoque. Algo que puede verse también en la presencia de Tony McNamara en la realización del guion de esta historia.

La gran apuesta de la cinta se reduce a su diseño de producción, los colores y al impresionante vestuario, obra de la diseñadora Jenny Beavan. Por lo demás, parece más bien enfocarse a la propaganda y a las cuotas constantes; donde los hombres están ausentes, ya sea por estar muertos o por no ocupar más que el papel de débiles facilitadores convenientes de la protagonista; sin olvidar que pintan a los personajes caucásicos como los malos, aquellos que agreden en la escuela (hacen bulling) y no entienden; y a los personajes afrodescendientes como la parte comprensiva, amable y cómplice de la trama.

De este modo tenemos el cambio étnico forzado de uno de los personajes principales, en este caso Anita (Darling), la cual en esta historia es la primera amiga y la conveniente cómplice que facilitará los planes de una vengativa, pero “justificable” villana suavizada por ser, de nuevo en este tipo de tramas, una víctima de los demás, alguien que no tiene la culpa de ser así y que “es especial”.

Parecía ser, ya desde el tráiler, una mala copia combinada de Harley Quinn en Aves de Presa de 2020 dirigida por: Cathy Yan, y Joker de 2019 dirigida por Todd Phillips. Mención aparte el constante bombardeo de canciones de la época, exagerando la venta por nostalgia a pesar de contar con el compositor Nicholas Britell.

Los números en taquilla dejan claro que esta cinta no es precisamente atractiva, pues de los 100 millones se su presupuesto inicial, sin contar todo lo gastado en su promoción, al día de hoy apenas a recuperado unos 46 millones; quedando rezagada en los cines por la segunda parte de la cinta A Quiet Place dirigida por John Krasinski.

La cinta Cruella decepciona porque más que una reinvención parece un forzado mal intento de deconstrucción del personaje, que busca convertirla en una villana políticamente correcta, sin la esencia de lo que apenas y parecía atractivo en su caricaturesca personalidad anterior. Ahora ya no fuma (está prohibido; pero si se emborracha en el trabajo hasta quedar inconsciente), ya no odia a los perros ni quiere un abrigo (está prohibido, es animalista), ahora es la amorosa dueña de tres dálmatas CGI (que asesinaron a su madre adoptiva), y adopta un perrito callejero; y ya no trata con desprecio a sus secuaces (está prohibido), ahora son como su familia desde niños.

Al final demostró que sus 101 millones de presupuesto, solo le sirvieron para hacer vestidos.

Ver tráiler:

Ficha técnica

Título original: Cruella

Año: 2021

Duración: 134 min.

País: Estados Unidos Estados Unidos

Dirección: Craig Gillespie

Guion: Dana Fox, Tony McNamara.

Historia: Aline Brosh McKenna, Kelly Marcel, Steve Zissis

Basado en la novela de: Dodie Smith

Música: Nicholas Britell

Fotografía: Nicolas Karakatsanis

Reparto:

Emma Stone, Emma Thompson, Joel Fry, Paul Walter Hauser, John McCrea, Emily Beecham, Mark Strong, Kayvan Novak, Kirby Howell-Baptiste, Jamie Demetriou, Niamh Lynch, Andrew Leung, Ed Birch, Paul Bazely, Abraham Popoola, Ninette Finch, Leo Bill, Sarah Crowden, Tom Turner, Asmara Gabrielle, Jack Barry, Steve Edge, Tipper Seifert-Cleveland

Productora:

Walt Disney Pictures, Gunn Films, Marc Platt Productions, TSG Entertainment

Género: Comedia – Drama

Película Corpus Christi (Pastor o impostor); todos tenemos un secreto

SM Rico

Imágenes de FilmAffinity / espinof.com / Los ojos de Hipatia

“El silencio también puede ser una oración”

Los secretos a veces nos convierten tanto en víctimas como en criminales; no es necesario el delito ni tampoco la intención, a veces solo es necesario callar por interés o por pereza, y de ese modo nos colocamos en una trampa de la que no podremos escapar.

El pasado 25 de abril fue la 93.ª ceremonia de entrega de los Premios Óscar, la cual tuvo, según Nielsen, el peor nivel de audiencia de toda su historia (9.8 millones de espectadores), incluso 58% menor que el año anterior. En una ceremonia tan atípica como novedosa por el estreno en su nuevo formato y procesos de selección de lo que significa (para occidente), bueno y malo en la industria cinematográfica a nivel mundial.

Corpus Christi (Boże Ciało), fue nominada en la anterior entrega (en la 92 del 2020), a la mejor película extranjera, en aquella que marcó el final de la antigua modalidad, que, si apenas era medianamente buena, ahora se disfrazará de correcta, con una cuota representativa (forzosa y política), y de mediática perfección comunitaria a pesar de hacer invisible a la comunidad.

Prueba de ello fue que no hubo sorpresas, como mencionamos en una anterior entrega el premio fue para la cinta Nomadland dirigida por Chloé Zhao, quien también se llevó el galardón a mejor dirección pero que en su natal China puede decirse que “está cancelada”.

Esta peculiar cinta dirigida por Jan Komasa, también nominada a mejor película europea en los Premios Goya de 2020, nos narra la historia de Daniel (Bartosz Bielenia), quien al salir del reformatorio, en donde era asistente del sacerdote; debe aceptar un trabajo en el aserradero de un pequeño pueblo; sin embargo, al llegar se da cuenta de que no es la vida que le gustaría, no le acomoda la idea al verse frente a una labor pesada constante y sin mayor futuro, cuando en realidad busca un cómodo puesto de autoridad dentro del clero.  

Daniel vaga por el pueblo cercano, entra a la iglesia lamentándose por su vida y en una casual cadena de acontecimientos, termina por fingir ser un sacerdote recién salido del seminario que poco a poco va creando simpatía con la comunidad, sin embargo, estos inocentes parroquianos guardan un terrible secreto relacionado con un evento que provocó la muerte de seis jóvenes.

“Tal vez usted esté en lo cierto; pero yo tengo el poder”

Daniel ubicado en su nuevo puesto como toda una figura de autoridad, comienza a investigar qué es lo que ocurrió con los jóvenes a los que todos rezan pero que pocos mencionan. En su búsqueda descubrirá las consecuencias de un secreto que cambiaría toda la historia si se revelara y que destroza constantemente la vida de una mujer antes muy querida por todos.

Destaca sin incurrir en la simple denuncia, la actuación del clero ante la comunidad, del papel que juegan y lo que representan ante muchos. Nos demuestra lo fácil que puede ser que alguien con buenas o malas intenciones tenga el respeto y jerarquía sin merecerlo y sin haber realizado un esfuerzo o aprendizaje previo (aplica también en lo electoral); obteniendo beneficios económicos, políticos y sexuales en el proceso. Aun así, la cinta no cae en lo predecible de ser una invitación a burlarse de lo religioso y adoptar la ley de la selva a cambio. Nos deja ver que la confianza ciega solo nos lleva a ser víctimas del engaño y también que no se pueden hacer las cosas a medias o solo por obligación (incluyendo la fe), sin comprender su verdadero significado.

Como siempre en este tipo de historias, algunos estarán muy interesados en que las cosas no se sepan y empezarán a ver a Daniel como un verdadero guardián de la verdad que debe ser detenido a pesar de que él simplemente solo desea hacer lo que considera correcto.

Las cosas se complicarán cuando entre los siguientes liberados del reformatorio enviados al aserradero se encuentra uno de sus conocidos, que representará una amenaza a la farsa que le empieza a rendir los frutos y el respeto que siempre ha deseado.

Daniel no desea conseguir las cosas por medio del esfuerzo sino aprovechar el momento, sentir el respeto que le da su posición; así como cuando niños nos disfrazamos de nuestros héroes o modelos a seguir. Daniel parece tener todo fácil al igual que el espectador, la cinta parece predecible y nos da la sensación de saber que va a ocurrir, nos hace pensar que como en un cuento, el héroe bien intencionado salvará el día, se saldrá con la suya, se quedará con la chica y aprenderá su lección; sin embargo, en un momento, todo tendrá un giro inesperado.

Esta cinta basada en un hecho real, nos revelará el terrible secreto de una comunidad que prefiere el olvido que el perdón; hombres y mujeres que por un lado prefieren callar mientras otros sufren; y que rezan y hacen cola en el confesionario mientras desprecian y mienten a sus propias familias.

La película nos muestra a alguien en busca de redención, pero no de la manera que estamos acostumbrados a verla en pantalla, tanto Daniel como “sus feligreses” son inestables, él tiene los defectos comunes en un joven que siempre se mete en problemas, aunque tenga buenas intenciones. El protagonista es la encarnación de la debilidad, el vicio y la desgracia en plena juventud; en plena mentira de su propia existencia y de lo que representa. Desde su perspectiva el bien y el mal se desarrollan a su alrededor y no por sus intenciones, inventa sus propios límites morales y a la vez vive en la idea de que el fin justifica los medios.

Pero al igual que en una realidad mordaz y aplastante, como la que se vive en cualquier comunidad sea grande o pequeña, como en este pueblo junto al aserradero; seremos testigos de que no todos los problemas tienen una solución fácil, que las personas pueden ser malas porque sí y que los secretos pueden destruir la vida y las familias de los involucrados a pesar de haber perdón de por medio. 

El final es tan abierto como inesperado, es lo que hace de esta una gran película y nos deja tantas dudas como reflexiones. La vida no es sencilla ni tampoco hay en ella buenos y malos, que solo queremos o cancelamos, para correr al refugio de un espacio seguro o abrazarlos en su pureza. Corpus Christi nos muestra que en cualquier momento puede o no, haber finales felices.

Actualmente la cinta se proyecta en la Cineteca Nacional en Ciudad de México.

Tráiler

Ficha técnica

Título original: Boże Ciało (Corpus Christi / Pastor o impostor)

Año: 2019

Duración: 116 min.

País: Polonia

Dirección: Jan Komasa

Guion: Mateusz Pacewicz

Música: Evgueni Galperine, Sacha Galperine

Fotografía: Piotr Sobocinski Jr.

Reparto:

Bartosz Bielenia, Eliza Rycembel, Aleksandra Konieczna, Tomasz Zietek, Leszek Lichota, Lukasz Simlat, Barbara Kurzaj, Zdzislaw Wardejn

Productora. Co-production Polonia-Francia; Aurum Film, Canal+ Polska

Género: Drama

Película Druk (Otra ronda); la angustia de no estar realmente presente

SM Rico

Imagen de portada ecartelera.com

“…No atreverse es perderse”

La amargura de lo cotidiano, y el paso de los años sin que se pueda encontrar sentido en las cosas y los logros del pasado es algo devastador; o nos presenta la oportunidad de reinventarnos o es el inicio al colapso y la desgracia.

Esta cinta nos cuenta la historia de cuatro profesores de preparatoria: Martin (Mads Mikkelsen), Tommy (Thomas Bo Larsen), Peter (Lars Ranthe) y Nikolaj (Magnus Millang); todos llevan vidas aburridas y grises, por lo que deciden hacer un experimento basado en una teoría del psiquiatra Finn Skarderud, que indica que si el nivel de alcohol en la sangre se mantiene en un 0.05%; el nivel de creatividad y relajación aumentarán. De este modo, deciden que beberán una pequeña cantidad de alcohol todos los días durante su horario laboral, con el objetivo de mejorar su rendimiento intelectual y físico, así como las interacciones con sus estudiantes.

En un principio todo saldrá de maravilla, se sienten más alegres, pierden el aburrimiento de la cotidianidad y llegan realmente a convivir de manera profunda con sus alumnos. Sin embargo, cuando noten este primer logro de inmediato buscarán aumentar la dosis diaria al grado de estar alcoholizados todo el tiempo, provocando problemas con sus familias y con las autoridades escolares.

Esta cinta dirigida por Thomas Vinterberg, legendario director de Festen de 1998, regresa en 2020 para presentarnos esta gran historia realizada en Dinamarca y que recibiera múltiples premios en varios festivales como: el Festival de San Sebastián (Mejor actor y Premio Feroz de la crítica), 4 Premios del Cine Europeo: (mejor película, dirección, actor y guion), mejor película en el BFI London Film Festival y actualmente está nominada a mejor director y mejor película internacional en la próxima 93.ª ceremonia de entrega de los Premios Óscar 2021 (el próximo domingo 25 de abril).

El guion fue realizado por Thomas Vinterberg y Tobias Lindholm, y está basado en una obra de teatro que escribiera anteriormente Vinterberg. Se nos presenta como una celebración a la vida y por supuesto choca directamente con lo políticamente correcto, lo que la convierte en una gran opción cinematográfica, pero que probablemente por las nuevas reglas en Hollywood, no sea tomada en cuenta para llevarse alguna estatuilla.

La cinta está dedicada a Ida, la hija de Vinterberg, quien le diera la idea para realizarla y que perdiera la vida en un lamentable accidente automovilístico apenas iniciado el rodaje en 2019.

Estos profesores en plena crisis tienen algo en común; precisamente el aburrimiento y el desgano de una vida que parece perder sentido a cada minuto; tienen familia, respeto y viven en paz; pero les hace falta algo, es aquello que perdieron en el camino a la madurez y que solo los llena de días de desencanto y tristeza.

Esto ocurre en especial con Martin, que origina los sucesos de la trama en una reunión con sus compañeros (el cumpleaños 40 de Nikolaj). En esta secuencia no es necesario que hable, Mikkelsen nos da una gran actuación que no necesita palabras y que expresa con una mirada la angustia de no sentirse satisfecho, de solo formar parte de un gran vacío, de algo que consume su vida y de lo que no encuentra salida.

Todo mejora poco a poco en la vida de los protagonistas: son más desinhibidos, aceptan los cambios de mejor manera, tienen nuevas ideas y la felicidad llena los espacios que antes parecían agotados. Por desgracia su felicidad está sostenida con alfileres y solo es cuestión de tiempo para que el deseo de llegar más lejos empiece a provocar problemas y que todo el mundo a su alrededor empiece a notar el alcoholismo en sus profesores.

Nuevas tensiones y el temor de perderlo todo llenarán la vida de Martin y sus compañeros esta vez, provocando terribles consecuencias en uno de ellos. Pasando de divertidas madrugadas de juerga, libertad y alegría a una nueva resaca de tristeza y abandono.

La cinta ganadora a Mejor película extranjera en los Premios César en 2020, nos muestra el valor que tiene cometer errores y volverse a levantar; de comenzar de nuevo, de nunca dejar de intentarlo; en definitiva, de no perder la esperanza.

La cinta nos presenta varios mensajes a lo largo de la trama y evita caer en el simple reclamo de que en Dinamarca la juventud en especial, consume grandes cantidades de alcohol, que esto es preocupante, y que ¡nadie, hace nada!

La crisis de una vida que parece estar a punto de terminar en cualquier momento, para cada uno de los protagonistas, nos muestra una visión a la vez distinta y compartida que se complementa por las diferencias entre cada uno de los personajes. Todos desde su propia perspectiva, a momentos son cómplices y a ratos recorren su propio camino, según las decisiones que toman y el contexto personal de cada uno.

En esta increíble historia veremos como una clase aburrida y que parece no llevar a ningún lado se convierte en una comunión entre maestro y alumnos; asimismo de la transición de un entrenador que no podía unir a su equipo, a alguien cambiando la vida de los jugadores en especial del menos apreciado (el clásico que nadie escoge para jugar); de un hombre sin hijos que siente que no dejará ningún legado, a un maestro que levanta de las lágrimas y la derrota a un joven que lo veía todo perdido; y de un aburrido maestro de música, a alguien que logra enseñar la importancia de la unión y la armonía.

El final de la cinta es inolvidable por la catarsis que involucra el desenlace de todo lo que se nos presentó; Martin tiene un rayo de esperanza lleno de simbolismo muy propio de Vinterberg, pues lo relaciona con el triunfal fin de curso de sus alumnos; y nos deja un gran mensaje que invita a la reflexión profunda de la vida.

Ver tráiler

Ficha técnica

Título original: Druk

(Drunk – Another Round – Otra ronda)

Año: 2020

Duración: 116 min.

País: Dinamarca

Dirección: Thomas Vinterberg

Guion: Tobias Lindholm, Thomas Vinterberg

Fotografía: Sturla Brandth Grøvlen

Reparto:

Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Magnus Millang, Lars Ranthe, Susse Wold, Maria Bonnevie, Diêm Camille G., Palmi Gudmundsson, Dorte Højsted, Helene Reingaard Neumann, Martin Greis

Productora: Co-production Dinamarca-Suecia-Países Bajos (Holanda); Zentropa Productions, Topkapi Films

Género: Drama / Comedia

Película Nomadland; la (m)oda al individualismo

SM Rico

Imagen de portada lahiguera.net

Se aproxima la 93.ª ceremonia de entrega de los Premios Óscar de este año (posiblemente el próximo domingo 25 de abril de 2021), será una entrega atípica como atípicas son también las producciones que están nominadas en esta ceremonia de pandemia que no ha generado mucho interés en el público; como lo demostrara la anterior entrega de los Globos de Oro del mes pasado, pues fue el peor año a nivel de audiencia, algo que se espera ocurra también en esta próxima premiación.

Entre las más sonadas para llevarse alguna de las estatuillas este año se encuentra Nomadland, tercera cinta dirigida por Chloé Zhao nacida en Pekín (Beijing) China, y que ha desarrollado su carrera en Estados Unidos posterior a estudiar en la Universidad de Nueva York. Fue galardonada en 2017 por su cinta The Rider, en el Festival Internacional de Cine de Cannes.

La cinta de estilo Road movie, es un drama que nos narra la travesía de Fern (interpretada por la ganadora del Oscar en 2017 Frances McDormand),que abandona todo tras la muerte de su esposo y el colapso económico que sufre su comunidad al cerrar la mina donde trabajaban ambos, y que convierte a esta en un pueblo fantasma. Es así que se sube a su camioneta, e inicia un viaje sin retorno alejada de la sociedad y las comodidades, para vivir en la carretera, la naturaleza y la ocasional compañía de una caravana de nómadas que serán su apoyo, colectividad ocasional y confidentes de vida.

Por ser temporada de premios el marketing de la cinta es constante y habla de sus virtudes y aciertos, sin embargo, en China ha sido censurada y se ve muy difícil su estreno; en pocas palabras, ha sido “cancelada” por la controversia que desató la directora por comentarios contra el gobierno de su país de nacimiento.

Parecería poca cosa para una cinta tan festejada, sin embargo, el mercado chino es extremadamente importante para Disney, su casa productora, misma que pretende estrenar próximamente, con Zhao como directora, la cinta Eternals; lo cual augura un completo fracaso para ambas cintas, sin importar que la compañía del ratón ha sido muy complaciente y silenciosa con ese gobierno, a pesar de las constantes denuncias de violaciones a los derechos humanos en su contra.

Esta cinta es una oda al individualismo, resalta sus virtudes, idealiza sus andanzas y hace un poema de la libertad de decidir el presente y el final de sus integrantes a pesar de lo que digan los demás: “¿qué pueden saber ellos? solo siguen su tradición y sus costumbres”. El film nos narra el placer de no pertenecer a un solo sitio, sería algo como vivir muchas vidas a lo largo de periodos de tiempo determinados, de ser un turista perpetuo, un marginado con recursos, “nunca un indigente”. Nos muestra la belleza de no ser de nadie y que simplemente el viento, el clima, la oportunidad o el recuerdo (el sistema), te lleve a donde sea.

Es un signo de nuestros tiempos, de los finales de la posmodernidad, algo que parece ser una moda generacional, y para la protagonista es más fácil ser libre que escuchar, ser ella misma sin familia y más fácil recoger las sobras que el sistema le arroja que crear comunidad y recuperar el amor a pesar de poder hacerlo.

Fern es un personaje como mandado a hacer, es propio de la actualidad (a pesar de que la historia se sitúa en el pasado), y las modas de la élite: independiente, sin hijos, que recicla, que no ocupa espacio en la ciudad, que tiene aprecio por la naturaleza y que desecha sin más aquello que la esclaviza, como ocurre en algún momento del film con el perro de su vecino, pues cuando este enferma y es recogido por su familia para llevarlo al hospital, ella encuentra al can, y en lugar de cuidarlo, simplemente lo abandona amarrado junto a una puerta en medio del frio.

Su viaje no debe ser interrumpido pues es lo más importante. En algún momento un personaje compara condescendientemente a estos nómadas con los pioneros, sin embargo, la comparación va en completo sentido contrario, pues estos buscaron un asentamiento para sus familias y sus tradiciones, algo de lo que precisamente este tipo de personas, en especial la protagonista, está huyendo.

Las grandes virtudes de la cinta son proporcionadas en su mayoría por la dirección de fotografía a cargo de Joshua James Richards, a su vez nos narran el viaje y la ligera transición de la protagonista a través de imágenes en amplios planos espectaculares y naturales, nos muestran también por medio de la iluminación lo tedioso y oscuro de los lugares cerrados y lo luminoso y amplio de los exteriores, en relación con los sentimientos de Fern con respecto a su existencia.

La historia está basada en el libro Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century de Jessica Bruder, en el que se hace homenaje a estas personas. En la película nos cuentan sus vivencias, convenientemente a modo de documental para hacerlo más humano, con personas que viven en ese mundo; no son actores, sino personas con historias y formas de ser diferentes, y que disfrutan reunirse alrededor de una fogata para contar sus experiencias y sentimientos antes de partir de nuevo.

También puede verse la crítica al capitalismo, pues como tal es el motivo del conflicto inicial en esta historia cuyo guion está adaptado por Zhao. Vivir a su modo y morir igual es el ideal de Fern, que solo por amor se quedó “en el mismo trabajo y en el mismo lugar”, pero que al perder a su esposo y el trabajo en la mina que cerró dejando tras de sí un pueblo fantasma, ella simplemente continúa su camino. Las subtramas de la cinta son interesantes por la forma de ver la vida en sus integrantes, los cuales superan a la de la protagonista en muchos momentos, pues siempre parece que ocurrirá algo más con ella, pero no es así.

Al final la cinta se nos presenta con la receta de la película de temporada de premios, en especial con la nueva visión de los Oscar:

Se nos presenta con el estilo de película independiente, está realizada por una mujer (china-americana), que habla de una mujer, que lo hace desde su perspectiva individual; que es la adaptación de un libro escrito por una mujer hablando de supervivencia; que trata sobre personas marginadas, oprimidas, que nadie escucha y que viven según sus propias reglas; además nos narra en época de pandemia sobre las virtudes de la libertad y de salir del encierro de la vida cotidiana; implica una crítica a cosas que todos saben que están mal (el capitalismo conservador), que nadie puede criticar lo que se decide en lo individual y presenta a lo cotidiano y tradicional como algo arcaico; lo importante es reinventarse a partir de las experiencias personales y vivir a través de las mismas.

La película destaca por las imágenes y la música que la acompañan; es un ejercicio cinematográfico que está hecho, prácticamente fabricado para agradar por lo que plantea, es realista al extremo de lo visceral y nos presenta una forma de vivir que reinicia una y otra vez, pues el inicio y el final de la historia en Nomadland está representado como un círculo; un eterno retorno existencial común y sencillo, muy lejano a la profundidad, a pesar de que su camioneta se llama “Vanguardia”.

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Ficha técnica

Título original: Nomadland

Año: 2020

Duración: 108 min.

País: Estados Unidos Estados Unidos

Dirección: Chloé Zhao

Guion: Chloé Zhao (Basado en el libro: Nomadland: Surviving America in the Twenty-First Century de Jessica Bruder)

Música: Ludovico Einaudi

Fotografía: Joshua James Richards

Reparto:

Frances McDormand, David Strathairn, Linda May, Charlene Swankie, Bob Wells, Gay DeForest, Patricia Grier

Productora:

Highwayman Films, Cor Cordium Productions, Hear/Say Productions (Distribuidora: Searchlight Pictures, Walt Disney Pictures)

Género

Drama – Road Movie.

Película Jagten (La Caza). Qué importa más, ¿la verdad o la “justicia social”?

SM Rico

Imágenes marcoslezamasierravigas.wordpress.com y cineoculto.com

Son tiempos de la intervención oportuna, de que las víctimas sean escuchadas y la duda desaparezca en su presencia. Cuando alguien, precisamente en grandes medios o redes sociales, se presenta así, es de inmediato cobijado por la certeza, y el atacante, como alguien indigno, cancelado y que debe ser desterrado de su empleo, oportunidades, familia; y hasta la vida o seguridad antes de ser llevado a ante un juez.

La cinta dirigida por Thomas Vinterberg, nos narra la historia de Lucas (Mads Mikkelsen quien ganó el premio al mejor actor en Cannes por esta actuación), un maestro divorciado que intenta recuperar a su hijo adolescente, que vive en un pequeño pueblo y que trabaja en una guardería; es apreciado por los niños y todos lo conocen desde la juventud.

Un día, Klara (Annika Wedderkopp), la hija de su mejor amigo con la que lleva una gran amistad insinúa a la directora de la guardería que Lucas tuvo comportamientos indebidos al mostrarle partes de su cuerpo. A partir de ahí la película nos muestra como de una sola frase de la pequeña se armará todo un expediente criminal detallado e indudable.

Con un guion de Vinterberg y Tobias Lindholm esta memorable película nos muestra el drama de alguien que desde el principio sabemos que es inocente, pero que sufrirá la condena de todos los que hasta ese momento eran sus amigos y que convertirán una pequeña mentira en toda una trama de abusos sexuales a todos los niños que asisten a la guardería de ese pequeño pueblo.

Recuerda a Festen de 1998, de aquellos tiempos del Vinterberg de Dogma, en la que un hijo acusa a su padre causando controversia e incredulidad. En este caso ocurre que una pequeña acusa falsamente al buen maestro de la guardería, y lo que parecía un malentendido se convertirá en una pesadilla a pesar de que durante todo el film no dejan de haber pruebas a su favor, incluso la misma “víctima” que repite una y otra vez que solo mintió.

La cinta se nos presenta desde la perspectiva de Lucas, veremos entonces la caída en la oscuridad que implica ir perdiendo poco a poco todo lo que significa la vida y la seguridad. A la mitad de la trama pasaremos por algunos minutos a ver la historia desde la perspectiva de su hijo Marcus (Lasse Folgelstrom). El nunca duda de su padre a pesar de la condena firme de la comunidad, haciéndonos notar como afecta a la familia este tipo de problemas.

La “justicia social” (una cacería de brujas), será la que tome el papel principal en esta trama, el antes apreciado maestro se convertirá en motivo de cancelación y odio en una comunidad que desea creer que debe ser castigado. Es despedido de su empleo, lo acusan en público de pervertido e incluso el dueño de la tienda se niega a venderle y deja que sus empleados lo muelan a golpes porque quiere creer que es un criminal y es justo tratarlo así.

Una señal de estos tiempos modernos que nos llega desde aquel lejano 2012 y que nos deja ver el poder del rumor, en este caso en boca de la directora de la escuela, quien representará a la villana en esta historia, a pesar de que en un primer momento es Klara, la que parece destruir la vida de su querido maestro.

El director logra la sensación de encierro y desesperanza de alguien que lentamente cae en un callejón sin salida dando solo pequeños respiros que se convierten en nuevos golpes de abandono y desprecio.

Es la noción de justicia y de castigo lo que predomina en esta pequeña comunidad y que va a encerrar de manera constante a Lucas en una cadena de odio y violencia hasta llegar a un final inesperado que no deja a nadie indiferente.

Destacan las metáforas religiosas y a la cacería, la cual da nombre a la cinta. Un hombre bondadoso que no pierde la esperanza de que sus vecinos y amigos entren en razón, va en un amargo descenso hasta terminar al límite de la desesperanza precisamente en nochebuena, en la celebración del nacimiento del niño Jesús, en donde tendrá su desenlace este drama en una inolvidable secuencia.

En analogía con la caza que practica Lucas junto con sus amigos, nos muestra también la manera en la que acorralan a la presa; él queda solo y en la mira, listo para que terminen con su vida, delante de toda la comunidad y de frente a todos los que lo consideran un monstruo.

Esta es una cinta muy vigente en estos tiempos, momentos en los que la noción de lo correcto predomina por encima de la justicia, y la condena es subjetiva más allá de las evidencias. La respuesta de las redes sociales y grandes medios a cualquier acusación se ha convertido en rehén de grupos de interés que transforman un crimen en el distractor perfecto, o una conveniente manera de mostrar a la “nueva generación”, una bendecida por la luz de la conciencia, en donde antes solo había tinieblas (y que es fácil manipular por tendencias #).

La principal lección de la cinta por el simbolismo que nos muestra, nos lleva en un sentido religioso a lo trascendente de ver más allá, y de la incongruencia que puede existir entre lo que se profesa y lo que se hace en la vida diaria. De lo fácil que puede ser que una acusación lleve a alguien de ser apreciado a estar al borde de la muerte, y que esto parezca justicia social.

Al igual que en esta historia, en la vida real, en algunos casos esto significará la siguiente consigna para los afectados: “aunque no pasó, debes creer que fuiste víctima”. El actuar y atacar con ferocidad ante los probables actos delictivos es en realidad una gran tentación, pues si es justo, que podría tener de malo condenar y eliminar al culpable; sin embargo, otra de las lecciones que deja la película es una pregunta muy sencilla: ¿y si el acusado fueras tú?

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Ficha técnica

Título: Jagten (The Hunt – La Caza)

Año: 2012

Duración: 111 min.

País: Dinamarca

Dirección: Thomas Vinterberg

Guion: Thomas Vinterberg, Tobias Lindholm

Música: Nikolaj Egelund

Fotografía: Charlotte Bruus Christensen

Reparto:

Mads Mikkelsen, Thomas Bo Larsen, Annika Wedderkopp, Alexandra Rapaport, Anne Louise Hassing, Lars Ranthe, Lasse Fogelstrøm, Susse Wold, Ole Dupont, Sebastian Bull Sarning

Productora: Zentropa Productions

Género: Drama

Premios y nominaciones de la cinta

2012: Festival de Cannes: Mejor actor (Mads Mikkelsen)

2012: Premios del Cine Europeo: Mejor guion. 5 nominaciones, incluyendo mejor película

2012: Premios BAFTA: Nominada a mejor película en habla no inglesa

2012: British Independent Film Awards (BIFA): Mejor película internacional independiente

2012: Festival de Sevilla: Sección oficial largometrajes a concurso

2013: Oscar: Nominada a mejor película de habla no inglesa

2013: Globos de Oro: Nominada a mejor película extranjera

2013: National Board of Review (NBR): Top mejores películas extranjeras del año

2013: Premios Independent Spirit: Nominada a Mejor película extranjera

2013: Satellite Awards: Nominada a mejor película extranjera

2013: Premios Goya: Nominada a Mejor película europea

2013: Asociación de Críticos de Chicago: nominada a mejor película extranjera

2013: Círculo de Críticos de San Francisco: nominada a mejor película de habla no inglesa

Película Mank; una visión de lo individual y lo colectivo

SM Rico

Imagen de portada fotogramas.es

“Cuenta la historia que conoces”

Estamos ante el nuevo intento de Netflix por la conquista del Oscar este año; la empresa ha apostado en las últimas entregas con grandes producciones y millonarias campañas de marketing (a pesar de no recuperar lo invertido), para poder alzar con orgullo la estatuilla y demostrar que ellos son la nueva forma de ver el cine.

En la próxima entrega, la número 93, Mank, dirigida por David Fincher, se encuentra entre las favoritas al igual que Nomadland de Chloé Zao, Da 5 Bloods: Hermanos de sangre (producida por Netflix), Pieces of a woman de Kornél Mundruczó y The Father de Florian Zeller. Sin embargo, tendrá que competir no solo por sus méritos cinematográficos sino por las nuevas políticas de la Academia que determinarán que es bueno o malo según lo más políticamente correcto.

Netflix es la plataforma de streaming más famosa y beneficiada de la temporada de pandemia, esto a pesar de ser conocidos también por sus escándalos de agresiones a creencias religiosas, fomento a la explotación infantil y la “cultura de la cancelación” que han tenido en los últimos años. En esa búsqueda de consolidarse como pilar del entretenimiento de pandemia, nos presenta el añorado guion de Jack Fincher, padre del director, fallecido en 2003.

Destaca en la cinta la gran actuación de Gary Oldman en el papel de Herman J. Mankiewicz, pues vemos toda la historia a través de su perspectiva, la mirada decadente de un hombre próximo al retiro, afectado por el alcoholismo y postrado en una cama por un accidente; presionado por el tiempo para entregar un guion y con un trabajo que lo agobia pero que podría convertirse en el legado que desea permanezca para la posteridad.

En esta cinta lograda con detalle y genialidad podemos ver al estilo de las películas de los años 30 del siglo pasado (de nuevo en blanco y negro), una puesta en escena con decorados, montajes, movimientos de cámara y una inolvidable banda sonora realizada por Trent Reznor y Atticus Ross (mismos que ganaran el Oscar en 2011 por The social network), un homenaje a este tipo de cine clásico, al mismo tiempo que lo hace con la cinta Ciudadano Kane, esto, por la manera en la que nos cuenta la historia.

Es la mirada de un observador a lo largo de los años; esa mirada es la que, sin juzgar al principio, toma partido al final y presenta el lado oculto detrás del glamur; no es un héroe ni pretende serlo, Mank como protagonista de esta historia, narrada en bloques a manera de como se lee un guion cinematográfico, vive a su manera y pretende llegar al final de su vida así.

En cierto modo la cinta es un homenaje a quienes están detrás de la “magia del cine”; personas que tienen un trabajo y son explotadas por los grandes ejecutivos que se nos presentan como los villanos de la historia; en especial Louis B. Mayer quien tiene el poder, el control y el destino de la opinión pública en sus manos, a la vez que podemos verlo como subordinado de William Randolph Hearst.

Esta historia presentada como biopic, no se centra en la creación de la película Ciudadano Kane, ni en Orson Welles, está dirigida directamente al protagonista y a su relación conflictiva con ambos, consiste en la lucha de alguien que se siente en decadencia y que ve al final de su carrera la opción de retirarse en silencio o tener el crédito por una gran obra, aunque esto le genere consecuencias el resto de su vida.

También esta dirigida para hacernos ver que las grandes obras cinematográficas no son solo hechas con las manos de su director, no son una obra individual de su creador, sino que representan el trabajo y el esfuerzo de muchas personas que dejan su vida en ellas, como lo son los guionistas. En este caso Mank es aislado de la multitud y el alcohol para terminar lo que sería la gran obra de Welles con límite de tiempo. Sin embargo, será en esa soledad con sus asistentes de cuidado y redacción (Monika Gossmann y Lily Collins), que tomará la difícil decisión de ser él mismo.

Una fórmula común pero que sirve para la obra, el hombre pequeño que se enfrenta al mundo por seguir sus convicciones y al final “hace lo correcto”, a pesar de saber que esto le costará muy caro a él y a su familia. Es una gran película y tiene a su vez la receta que encanta a los críticos, la de las historias del viejo Hollywood. En ella, a manera de la película que escribe Mank, vemos la historia dividida en presente y pasado, este último contado en constantes flashback (analepsis).

A través de siete años nos enteraremos según la visión de Jack Fincher, de la cara oculta de las grandes productoras y el poder que tienen tanto en sus empleados como en la opinión pública; la manera en la que manipulan la verdad; y la oportunista politiquería como compañera constante y beneficiaria común. Algo que no ha cambiado mucho en nuestros tiempos; seguimos siendo bombardeados con propaganda de lo bueno y lo malo, asimismo la censura y la pérdida de empleo de quien cometa el error de hablar contra el pensamiento único.

Al final la cinta destaca por la mano y regreso triunfal de David Fincher, sin olvidar por supuesto, como menciona el film; que no solo es trabajo del autor, pues en ella hace honor a su padre, en la presentación de este guion olvidado hace años; la música de Reznor y Ross que nos transporta al siglo pasado; y la dirección de fotografía de Erik Messerschmidt. Un trabajo en conjunto que nos deja una gran película que competirá por el Oscar, posiblemente, el próximo 25 de abril de 2021.

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Fica técnica

Título original: Mank

Año: 2020

Duración: 132 min.

País: Estados Unidos Estados Unidos

Dirección: David Fincher

Guion: Jack Fincher

Música: Trent Reznor, Atticus Ross

Fotografía: Erik Messerschmidt (B&W)

Reparto:

Gary Oldman, Amanda Seyfried, Arliss Howard, Charles Dance, Tom Burke, Lily Collins, Tuppence Middleton, Tom Pelphrey, Ferdinand Kingsley, Jamie McShane, Joseph Cross, Sam Troughton, Toby Leonard Moore, Leven Rambin, Madison West, Adam Shapiro, Monika Gossmann, Paul Fox, Jessie Cohen, Amie Farrell, Alex Leontev, Stewart Skelton, Craig Robert Young, Derek Petropolis, Jaclyn Bethany, Arlo Mertz

Productora: Netflix (Distribuidora: Netflix)

Género: Drama